بودكاست التاريخ

إدوارد هوبر

إدوارد هوبر


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

إدوارد هوبر ، رسام أمريكي واقعي تعتبر أعماله الفردية للغاية معيارًا للواقعية الأمريكية ، يلخص وعيًا فنيًا يصور بشكل مخيف الحياة الأمريكية المعاصرة على أنها تتميز بالعزلة والحزن والوحدة.الولادة والطفولةولد إدوارد في 22 يوليو 1882 في بلدة نياك الصغيرة الواقعة على نهر هدسون بنيويورك. عرف هوبر أنه يريد أن يصبح فنانًا في وقت مبكر من عام 1899 ، وهو عام عيد ميلاده السابع عشر ، فقد التحق لأول مرة بمدرسة للفنون التجارية والرسوم التوضيحية في مدينة نيويورك ، نيويورك ، في عام 1899. وكان المدرب الرئيسي هو ويليام ميريت تشيس (William Merritt Chase) 1849-1916) ، رسام قلد أسلوب جون سينجر سارجنت. تم حثه وزملاؤه الطلاب على تطوير أسلوب واقعي يصور الثقافة الحضرية.وظيفة مبكرةكما يفعل العديد من الفنانين الشباب ، أراد هوبر أن يدرس في فرنسا. في أكتوبر 1906 ، تحققت أمنيته عندما غادر بمساعدة والديه إلى القارة. ومع ذلك ، بعد تلك الرحلات ، لم يبق مرة أخرى في أوروبا ، تأثر هوبر كثيرًا بأعمال دييغو فيلاسكيز ، وفرانسيسكو دي جويا ، و أونوريه دومير ، وإدوارد مانيه. أظهرت لوحاته المبكرة بعض خصائص الواقعية الأساسية التي كان سيحملها طوال حياته المهنية ، بأسلوب متوازن وتوليفي قائم على أشكال تحليلية بسيطة وكبيرة ؛ مساحات واسعة من الألوان ، واستخدام الأساسيات المعمارية في مشاهده. لسنوات عديدة ، سيطرت ذكريات الأيام في الخارج على أسلوب رسم هوبر. بعد هذه المحاولة ، جدد هوبر جهوده من خلال استخدام مواضيع أمريكية محلية ، والتي يتذكرها أكثر من غيرها. قام إدوارد هوبر ببيعه الأول في عام 1913 ، في معرض في نيويورك. لعدة سنوات بعد أن بلغ 37 عامًا ، كسب هوبر لقمة العيش كرسام تجاري.زواجفي عام 1923 ، دخلت جوزفين نيفيسون ، التي كان يعرفها عندما كانا طلابًا تحت قيادة تشيس وهنري ، حياته مرة أخرى. في نفس العام الذي تزوجا فيه ، تغيرت رياح الحظ بالنسبة إلى هوبر.مهنة لاحقةكانت سنة لافتة إدوارد هوبر عام 1924. انطلقت مسيرة هوبر المهنية ولن تتأثر بشكل ملحوظ بالكساد العظيم في الثلاثينيات. ترك إدوارد هوبر بصمته في العالم ، حيث أقام متحف الفن الحديث (موما) معرضًا في عام 1929 ، لوحات لتسعة عشر أميركيًا على قيد الحياة، والتي تضمنت عمل هوبر. على الرغم من أن عمله يقع خارج التيار التجريدي في منتصف القرن العشرين ، إلا أن أسلوبه التخطيطي المبسط كان أحد التأثيرات على الإحياء التمثيلي اللاحق ، وعلى فن البوب.الأيام الأخيرةعمل هوبر في شيخوخته ، وقسم وقته بين مدينة نيويورك وترورو ، ماساتشوستس. لم تدم شهرة إدوارد هوبر مع جفاف ملهمته. تركت زوجته ، التي توفيت بعد 10 أشهر ، عمله لمتحف ويتني للفن الأمريكي. في عام 2004 ، تذكر العالم هوبر وكرمه عندما جابت العديد من لوحاته أوروبا ، وتوقف في متحف لودفيج ، كولونيا ، ألمانيا ، وفي معرض تيت للفنون الحديثة في لندن. أصبح معرض هوبر هو الثاني الأكثر شعبية في تاريخ المعرض الأخير ، حيث حضر أكثر من 400 ألف زائر في الأشهر الثلاثة التي افتتح فيها المعرض.


انظر أيضًا أندرو وايث وجاكسون بولوك.


إدوارد هوبر ورائحة الوحدة

أتذكر مشاهدة قطعة Edward Hopper & # 8217s لأول مرة. بالطبع كان مشهوره صقور الليل & # 8211 تعرف هذه اللوحة & # 8211 it & # 8217s في وقت متأخر من الليل ، يجلس الناس في مطعم رخيص ، والزوجان ينتظران طلبيتهم. إذا كنت & # 8220nighthawk & # 8221 بنفسك ، فأنت تعلم ذلك الشعور بالإرهاق ورائحة السجائر والكحول المهضوم. التعب وفقدان الأوهام.

إدوارد هوبر ، Nighthawks ، 1942 ، معهد شيكاغو للفنون

كان هوبر سيد الشعور بالوحدة. فقط هو رسم الكآبة بهذه الطريقة ، بحيث عندما تنظر إلى هؤلاء الناس يمكنك أن تشعر بأسرارهم. لأنه في بعض الأحيان تكون أسرارك مشابهة تمامًا لأسرارك.

في آلي عام 1927 ، امرأة تجلس بمفردها تشرب فنجانًا من القهوة. الوقت متأخر وبارد بالخارج. تبدو الغرفة كبيرة ومضاءة بشكل ساطع وفارغة. تبدو المرأة خجولة وخائفة بعض الشيء ، وغير معتادة على أن تكون بمفردها في مكان عام. يبدو أن هناك خطأ ما.

إدوارد هوبر ، أوتومات ، 1927 ، مركز الفنون دي موين

في امرأة في الشمس امرأة تقف nakeda رمح من الضوء من نافذة قريبة مع سيجارة. في يدها. نسيت أن تشعله. يبدو أنها نسيت نفسها. حتى أنها نسيت إشعال سيجارة. وهي منفصلة عن العالم الخارجي تنتظر حدوث الأشياء.

إدوارد هوبر ، امرأة في الشمس ، 1961 ، متحف ويتني للفنون

لا أستطيع التفكير في أي فنان آخر كان مثاليًا جدًا في جذب الشعور بالوحدة والاستسلام واليأس من الناس المعاصرين.


المسيح الذي لا يضاهى

منذ أكثر من 1900 عام ، وُلد رجل مخالفًا لقوانين الطبيعة. عاش هذا الرجل في فقر وتربى في الخفاء. لم يسافر كثيرا. مرة واحدة فقط عبر حدود البلد الذي عاش فيه خلال طفولته عندما كان في المنفى في مصر.

لم يكن يمتلك لا ثروة ولا نفوذًا ، وكان أقاربه غير واضحين ، ولم يتلقوا تدريبًا ولا تعليمًا رسميًا.

في طفولته أذهل ملكًا في طفولته ، حير الأطباء في الرجولة. تحكم في مجرى الطبيعة ، مشى على الأرصفة وكأنها أرصفة ، وأسكت البحر لينام.

شفى الجموع بدون دواء ولم يدفع مقابل خدماته.

لم يؤلف كتابًا أبدًا ، ومع ذلك لم تستطع جميع المكتبات في العالم الاحتفاظ بالكتب التي كتبت عنه.

لم يكتب أبدًا أي أغنية ، ومع ذلك فقد قدم موضوعًا لأغاني أكثر من جميع مؤلفي الأغاني مجتمعين.

لم يؤسس كلية أبدًا ، لكن كل المدارس مجتمعة لا يمكنها التباهي بوجود هذا العدد من الطلاب.

لم ينظم جيشًا أبدًا ، ولم يجند جنديًا ، ولم يطلق مسدسًا ، ومع ذلك لم يكن لدى زعيم المزيد من المتطوعين الذين تحت أوامره ، جعل المزيد من المتمردين يكدسون الأسلحة ويستسلمون دون إطلاق رصاصة واحدة.

لم يمارس الطب النفسي أبدًا ، ومع ذلك فقد شفى قلوبًا محطمة أكثر من جميع الأطباء البعيدين والقريبين.

مرة كل أسبوع تتوقف عجلات التجارة عن دورانها وتشرع الجماهير في طريقها إلى تجمعات العبادة لتكريمه واحترامه.

جاءت أسماء رجال دولة اليونان وروما الفخورين وذهبت. جاءت أسماء العلماء والفلاسفة واللاهوتيين السابقين وذهبت لكن اسم هذا الرجل يزداد أكثر فأكثر.

على الرغم من أن الزمن قد امتد لأكثر من 1900 سنة بين أبناء جيله ومشهد صلبه ، إلا أنه حي. لم يستطع هيرودس تدميره ، ولم يستطع القبر أن يمسكه.

إنه يقف على أعلى قمة للمجد السماوي ، معلنة من الله ، ومعترف بها من قبل الملائكة ، ومعبودة من قبل القديسين ، وتخشى الشياطين على أنها المسيح الشخصي القائم من بين الأموات ، وربنا ومخلصنا.

في هذا الموسم ، لا يزال المسيح الذي لا يضاهى يقف عند العديد من أبواب القلب ، طالبًا القبول. تقول كلماته: "هأنذا واقف على الباب وأقرع إذا سمع أحد صوتي وفتح الباب ، فسأدخل إليه ، وسأعود معه وهو معي" (رؤيا 3: 20).

أيضًا ، "لا يوجد اسم آخر تحت السماء بين الناس ، حيث يجب أن نخلص."

الرب يسوع المسيح هو أعظم هدية تُمنح للعالم على الإطلاق. يمكن أن يكون لك. هل هو؟

"آمن بالرب يسوع المسيح فتخلص" (أعمال الرسل 16: 31).


مسار مهني مسار وظيفي

تميزت حياته المهنية المبكرة بالنضال. استأجر استوديو وشرع في الرحلة. الوسيلة التي استخدمها لأول مرة كانت الرسم الزيتي. رسم أول لوحة زيتية له في عام 1895 على قارب التجديف في روكي كوف.

بعد أن أُجبر على استخدام مهارته في الكسب ، تولى وظيفة الرسام. ومع ذلك ، لم يكن هذا ما رغب فيه ، وكهربًا ، انطلق في رحلة إلى أوروبا. كانت الرحلة ، التي تركزت في باريس ، لتثبت معلما هاما في حياة هوبر. مع رسم بيكاسو للروائع بالفعل ، تم تمهيد المسرح للفن الحديث. على الرغم من أن هوبر لم يقابل بيكاسو ، إلا أنه تعلم الفن الحديث وميل نحو الفن الانطباعي. ومن ثم ، تولى لوحة الألوان الفاتحة ، مستوحاة بشكل خاص من Monet و Van Gogh ، متخليًا عن الرسوم التوضيحية المظلمة.

عاد هوبر من الحملة الأوروبية في عام 1910. لسوء الحظ ، كان عليه أن يسعى جاهداً للاعتراف به. تلقى إبداعاته القليل من التقدير. ما هو القليل من الاعتراف الذي حصل عليه هو الرسم الزيتي وأعمال الحفر. حقق أول إنجاز كبير له في سن 31 عندما باع لوحته الزيتية. كان يأمل في أن يؤدي ذلك إلى مزيد من النجاح ، لكنه لا يزال لديه الكثير من الكفاح للقيام به.

في عام 1912 ، سافر إلى جلوستر ، ماساتشوستس ، وقام بعمل أول لوحة له في الهواء الطلق باستخدام الطلاء الزيتي. كان هذا يسمى سكوام لايت . سبق هذا العديد من لوحات المنارة التي ظهرت بعد.

في عام 1913 ، حصل على 250 دولارًا عن طريق بيع أول لوحة بورتريه ذاتية تسمى إبحار . استمر في العمل خلال هذه الفترة ودعي من حين لآخر لإجراء معارض في أماكن صغيرة. طوال هذه الفترة ، استمر في إنشاء ملصقات للأفلام والمسرح ، والتي شعر بتعلق عميق بها. صنع ملصقات حربية واكتسب شهرة.

على مضض ، لجأ إلى الرسوم التوضيحية وعمل بالقطعة لكسب لقمة العيش. كافح هوبر لتحديد أسلوبه الخاص ، وغالبًا ما يتحول من شكل فني إلى آخر. عاد إلى التنميش ، حيث نال استحسانًا كبيرًا. خلال العشرينات من القرن الماضي ، عمل في هذه الوسيلة ، وكانت معظم أعماله في هذا الأسلوب الفني. وتشمل هذه ليلة على القطار , ريح المساء و القارب .

خلال هذه الفترة ، رسم أيضًا بعضًا من لوحاته الشهيرة وحصل على بعض الثناء. تمت دعوته لإجراء معرض لشخص واحد لعرض أعماله. جاءت هذه المعارض بشكل متكرر ، ووجد أنه يتم تقديره بشكل أفضل.

استحوذ متحف الفن الحديث على إحدى لوحاته الشهيرة ، البيت على السكة الحديد ، في عام 1925. كانت لوحاته الشهيرة من أعمال الانطباعات. كان اللعب بالضوء واللون والحواف المحددة بدقة ميزة بارزة. لقد بدأ أخيرًا في تلقي الثناء الذي يستحقه!


إدوارد هوبر

ولد في نياك ، نيويورك ، إدوارد هوبر (1882-1967) معترف به كواحد من أعظم الفنانين الأمريكيين في القرن العشرين. عكست تصوراته الاحتياطية والمحسوبة بدقة للمشاهد الحضرية والريفية رؤيته الشخصية للحياة الأمريكية الحديثة.

شجع هوبر على دراسة الرسم التوضيحي من قبل والديه ، وحصل على دورات في مدرسة المراسلة للتوضيح وفي مدرسة نيويورك للفنون. لاحظ الرسام / الرسامين آرثر إغناتيوس كيلر, فرانك فنسنت دوموند, كينيث هايز ميلر، و روبرت هنري كانوا من بين أساتذته. جون سلون، الذي عمل بانتظام كفنان تجاري قبل عام 1916 ، كان له أيضًا تأثير مبكر.

في عام 1906 ، حصل هوبر على وظيفة بدوام جزئي في وكالة إعلانات واستمر في إنشاء صور لمجلات شهيرة مثل مجلة Scribner & rsquos, مجلة Everbody & # 39s، و بلد الرجل المحترموللمجلات المتخصصة مثل إدارة الفندق, طلب مورس، و ويلز فارجو رسول. بصفته فردًا خاصًا جدًا ، لم يترك أي تأملات مكتوبة عن مسيرته المهنية التي استمرت عقدين كرسام ، على الرغم من أنه كان يعتقد أن التطور الناضج للفنان و rsquos مرتبط بعمل سنوات تكوينه.

بين عامي 1906 و 1910 ، قام الفنان بثلاث رحلات إلى باريس. على عكس الفنانين الأمريكيين الآخرين في ذلك الوقت ، تجاهل هوبر ابتكارات المدينة و rsquos معظم الفنانين الطليعيين ، مفضلاً جيلًا سابقًا من الرسامين الأوروبيين ، بما في ذلك Rembrandt و Degas و the Impressionists ، الذين أشاد بعملهم معلمه السابق روبرت هنري.

بدأ هوبر ، الذي انجذب إلى الفن الواقعي ، في إنتاج النقوش ورسم المشاهد الحضرية والمعمارية في لوحة داكنة. أقيم معرضه الأول الذي يتألف من شخص واحد في يناير 1920 في نادي ويتني ستوديو ، الذي أسسه قبل خمس سنوات جيرترود فاندربيلت ويتني. في يوليو 1924 ، تزوج هوبر من جوزفين فيرستيل نيفيسون ، زميله الرسام الذي التقى به في مدرسة الفنون.

كان هوبر منتجًا للغاية خلال العقود الأربعة التالية ، حيث أنتج أعمالًا مهمة مثل آلي (1927), فرم سوي (1929), فيلم نيويورك (1939), عرض بناتي (1941), صقور الليل (1942), ردهة الفندق (1943), صباح في المدينة (1944) و فندق على طريق سكة حديد (1952). لا يزال تأثير أسلوبه المميز محسوسًا حتى يومنا هذا ، ويمتد إلى ما بعد الرسم إلى التصوير الفوتوغرافي والأفلام والثقافة الشعبية.

قم بشراء The Unknown Hopper: Edward Hopper ككتالوج عرض Illustrator هنا.

الرسوم التوضيحية إدوارد هوبر

مصادر إضافية

فهرس

جودريتش ، لويد. إدوارد هوبر. نيويورك: هاري ن. أبرامز ، 1970.

كرانزفيلدر ، إيفو. إدوارد هوبر ، 1882-1967: رؤية الواقع. نيويورك: تاشين ، 1988.

ليفين ، جيل. إدوارد هوبر: سيرة ذاتية حميمة. نيويورك: كنوبف ، 1995.

شميد ، ويلاند. إدوارد هوبر: صور أمريكا. نيويورك: بريستل ، 1995.

سوتر ، جيري. إدوارد هوبر: النور والظلام. نيويورك: Parkstone Press International ، 2007.

الأنواع
  • دعاية
    • شركة كبرى
    • الخدمة السياسية والعامة
    • المنتج
    • الترويج الذاتي
    • كتب الأطفال & # 8217s
    • فن الغلاف
    • التوضيح الداخلي
    • دعاية
    • كاريكاتير
    • السياسية والتحريرية
    • رياضات
    • بقعة
    • كتب هزلية
      • مانجا
      • رسومات المعلومات
      • الجداريات
      • بورتريه
      • مفامرة
      • حكايات وخرافات
      • الميثولوجيا
      • دعاية
      • تصميم
      • خيالي
      • غير الخيالية
      • مذكرات بصرية وسيرة ذاتية
      • كاريكاتير الويب
      • توضيح الموقع
      • فن الغلاف
      • توضيح القصة
      • حيوية
      • مفهوم الفن
      • القصة المصورة
      • تصميم ألعاب الفيديو
      • حدث (ترويجي)
      • فيلم
      • سياسي
      • الدعاية
      • السفر
      • ألبوم / قرص مضغوط
      • التقويمات
      • DVD / VHS
      • بطاقات ترحيبية
      • التعبئة والتغليف
      • دمى ورقية
      • طوابع بريدية
      • فن Pinup
      • مجلات اللب
      • استكشاف
      • الفضاء الخارجي
      • تقنية
      • تشريح
      • أثري
      • هندسة معمارية
      • السيارات
      • رسومات قاعة المحكمة
      • المنزل والتصميم الداخلي
      • البستنة
      • ميكانيكي
      • تاريخ طبيعي
      وجهات نظر عالمية
      الفنانين ذات الصلة
      الفترات الزمنية ذات الصلة

      هوبر: الواقعي الأمريكي الأعلى في القرن العشرين

      لم تأت اللوحة بسهولة إلى إدوارد هوبر. كل لوحة كانت تمثل فترة حمل كئيبة طويلة قضاها في التفكير الانفرادي. لم تكن هناك ضربات فرشاة كاسحة من يد محموم ، ولا أوريكاس مكهربة. فكر في الأفكار وتجاهلها وقلصها لأشهر قبل أن يضغط حتى قطرة من الطلاء على لوح ألوانه. في أوائل الستينيات ، زار الفنان رافائيل سوير هوبر وزوجته جوزفين في منزلهما الصيفي على منحدر فوق البحر في كيب كود. وجدت سويير أن هوبر جالسًا في الأمام يحدق في التلال وجو ، كما دعاها الجميع ، في الخلف ، وهو يحدق في الاتجاه المعاكس. قالت لسوير: "هذا ما نفعله". "يجلس في مكانه وينظر إلى التلال طوال اليوم ، وأنا أنظر إلى المحيط ، وعندما نلتقي هناك جدل ، جدل ، جدل." معبراً عنها بوميض جو المميز (فنانة هي نفسها وممثلة طموحة ، عرفت كيفية تقديم خط) ، تلخص المقالة القصيرة كلاً من عملية هوبر الإبداعية والعلاقة الدائمة بين الزوجين. وبالمثل ، كتب صديق هوبر المقرب ، الرسام والناقد الأمريكي Guy P & # 232ne du Bois ، ذات مرة أن هوبر "أخبرني. أن الأمر استغرق سنوات حتى يدخل نفسه في لوحة سحابة في السماء."

      المحتوى ذو الصلة

      وكثيراً ما لاحظ إدوارد هوبر أن "الرسام يرسم ليكشف عن نفسه من خلال ما يراه في موضوعه". يعود تاريخ Chop Suey إلى عام 1929. (مجموعة Barney A. Ebsworth / Courtesy ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) /> هوبر ، في الأربعينيات من عمره ، في صورة ذاتية 1925-30. (متحف ويتني للفن الأمريكي ، جوزفين إن هوبر بيكويست / تصوير روبرت إي.مايتس / مجاملة ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) أدت الألوان المائية هوبر الذي تم إنشاؤه في ولاية ماساتشوستس في عشرينيات القرن الماضي إلى أول تقدير مهني له (House and Harbour ، 1924). (مجموعة خاصة / مجاملة ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) في نيويورك كورنر ، 1913 ، قدم هوبر صورة لمباني من الطوب الأحمر ونمط من النوافذ المفتوحة والمغلقة. (Private Collection، Courtesy Fraenkel Gallery and Martha Parrish & amp James Reinish، Inc. / Courtesy، Museum of Fine Arts، Boston) استخدم هوبر شكل النوافذ الإيقاعي المبني من الطوب الأحمر في وقت مبكر من صباح الأحد (1930) لخلق شعور بالألفة والصمت المخيف. (متحف ويتني للفن الأمريكي / تصوير ستيفن سلومان / مجاملة ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) النوافذ الليلية المثيرة للفضول (1928) هي في آن واحد متلصصة وغامضة لا يمكن للمرء إلا أن يخمن ما الذي ستفعله المرأة. (متحف الفن الحديث ، نيويورك. هدية جون هاي ويتني / SCALA / Art Resource / Courtesy ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) كتب الناقد الفني روبرت هيوز "يقدم هوبر شرائح من الحياة غير القابلة للذوبان ، لحظات في سرد ​​لا يمكن أن تنتهي". رسم هوبر كيب كود مورنينغ ، الذي قال إنه أقرب إلى ما شعر به من بعض الأعمال الأخرى ، في عام 1950 (متحف سميثسونيان للفنون الأمريكية / مصدر فني) Nighthawks (1942) (معهد شيكاغو للفنون / مجموعة أصدقاء الفن الأمريكي / مجاملة ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) Automat (1927) (مركز الفنون دي موين ، آيوا / مايكل تروبيا ، شيكاغو / مجاملة ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) The Mansard Roof (1923) (متحف بروكلين ، نيويورك ، صندوق مجموعة المتاحف / مجاملة ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) بيت الكابتن أبتون (1927) (مجموعة ستيف مارتن / مجاملة ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) هيلز ، ساوث ترورو (1930) (متحف كليفلاند للفنون ، مجموعة Hinman B. Hurlbut / Courtesy ، متحف الفنون الجميلة ، بوسطن) Night Shadows (1921) (متحف الفنون الجميلة ، بوسطن / هدية وليام إيمرسون)

      على الرغم من كل مداولاته الحذرة ، ابتكر هوبر أكثر من 800 لوحة وألوان مائية ومطبوعات معروفة ، بالإضافة إلى العديد من الرسومات والرسوم التوضيحية. أفضلها هو التقطير الخارق لمدن نيو إنجلاند والهندسة المعمارية لمدينة نيويورك ، مع الوقت والمكان المحددين للاعتقال. تفسيراته الصارخة والحميمة للحياة الأمريكية ، التي تغرق في الظل أو تحت أشعة الشمس ، هي الحد الأدنى من الأعمال الدرامية المليئة بالقوة القصوى. كان لدى Hopper قدرة رائعة على استثمار أكثر المشاهد العادية & # 8212 سواء في مضخة الغاز على جانب الطريق ، أو مطعم لا يوصف أو غرفة فندق قاتمة & # 8212 مع الغموض الشديد ، مما يخلق روايات لا يمكن لأي مشاهد كشفها. غالبًا ما تبدو شخصياته المجمدة والمعزولة مرسومة بشكل محرج ، لكنه تجنب جعلها تبدو رشيقة جدًا أو مبهرجة ، وهو ما شعر أنه سيكون خاطئًا للمزاج الذي سعى لتأسيسه. جعل إخلاص هوبر لرؤيته الخاصة ، التي ظلت قائمة على عيوب البشر واهتماماتهم ، من عمله مثالاً على الصدق والعمق العاطفي. رأى الناقد كليمنت جرينبيرج ، المدافع الرائد عن التعبيرية التجريدية ، التناقض. كتب هوبر في عام 1946 ، "ليس رسامًا بالمعنى الكامل لوسائله المستعملة ، والمتهالكة ، وغير الشخصية". ومع ذلك ، كان جرينبيرج يميز بما يكفي ليضيف: "هوبر ببساطة كان رسامًا سيئًا. ولكن إذا كان رسامًا أفضل ، فلن يكون على الأرجح فنانًا متفوقًا."

      كان هوبر متأملًا مثل الأشخاص الذين وضعهم على القماش. في الواقع ، تم تعزيز الجودة الغامضة للوحات من خلال الشخصية العامة للفنان. طويل القامة ومبني بقوة مع رأس صلعاء ضخم ، ذكّر المراقبين بقطعة من الجرانيت & # 8212 وكان على وشك الاقتراب. لم يكن مفيدًا للصحفيين الذين يبحثون عن التفاصيل أو الحكايات. كان يرد بعناد: "الجواب كله موجود على القماش". لكنه قال أيضا: "الرجل هو العمل. شيء لا يخرج من العدم". اعتقد مؤرخ الفن لويد جودريتش ، الذي دافع عن هوبر في عشرينيات القرن الماضي ، أن الفنان وعمله قد اندمجا. كتب جودريتش: "لم يكن لدى هوبر حديث بسيط". "كان مشهورًا بصمته الهائل ولكن مثل المساحات في صوره ، لم تكن فارغة. عندما تحدث ، كانت كلماته نتاج تأمل طويل. حول الأشياء التي تهمه ، وخاصة الفن. كان لديه أشياء مدركة على سبيل المثال ، معبراً عنها بإيجاز ولكن بوزن ودقة ، وقولها بطريقة رتيبة بطيئة ومترددة ".

      بالنسبة للجدل ، لم يعد هناك الكثير. اشتعلت النيران في نجم هوبر منذ فترة طويلة. يمكن القول إنه الواقعي الأمريكي الأسمى في القرن العشرين ، حيث يلخص جوانب من تجربتنا بشكل أصيل بحيث لا يمكننا أن نرى منزلًا متهدمًا بالقرب من طريق مهجور أو ظل ينزلق عبر واجهة من الحجر البني إلا من خلال عينيه. بالنظر إلى مكانة هوبر الأيقونية ، من المدهش معرفة أنه لم يتم مشاهدة مسح شامل لعمله في المتاحف الأمريكية خارج مدينة نيويورك منذ أكثر من 25 عامًا. تم علاج هذا الجفاف من خلال "إدوارد هوبر" ، وهو معرض استعادي حاليًا في متحف الفنون الجميلة في بوسطن حتى 19 أغسطس واستمر في المعرض الوطني للفنون بواشنطن العاصمة (16 سبتمبر 2007 - 21 يناير 2008) ) ومعهد شيكاغو للفنون (16 فبراير - 11 مايو 2008). يتألف المعرض من أكثر من 100 لوحة ولوحة مائية ومطبوعات ، يرجع تاريخ معظمها إلى ما يقرب من 1925 إلى 1950 ، وهي فترة أعظم إنجازات الفنان ، ويسلط العرض الضوء على أكثر تركيبات هوبر إلحاحًا.

      تقول كارول تروين ، أمينة الرسم الأمريكي في متحف الفنون الجميلة في بوسطن وأحد المنظمين & # 8212 جنبًا إلى جنب مع جوديث بارتر من معهد الفنون: "ينصب التركيز على التذوق ، وهو مصطلح قديم ، لكننا اخترنا بدقة" المعرض الوطني فرانكلين كيلي & # 8212 من المعرض الوطني. "يُعرف هوبر بأنه منشئ رائع للصور ، لكننا أردنا أيضًا أن نقدمه كفنان مكرس لحرفة الرسم التي يجب أن تُرى أعماله شخصيًا. فنه أكثر دقة بكثير مما يكشفه أي استنساخ."

      ولد إدوارد هوبر في 22 يوليو 1882 في نياك ، نيويورك ، 25 ميلاً شمال مدينة نيويورك ، لعائلة من أصول إنجليزية وهولندية وفرنسية وويلزية. قام جده لأمه ببناء المنزل & # 8212 المحفوظة اليوم كمعلم ومركز فني مجتمعي & # 8212 حيث نشأ هو وأخته ماريون ، التي كانت تكبره بعامين. كان والد هوبر ، غاريت هنري هوبر ، تاجر سلع جافة. استمتعت والدته ، إليزابيث غريفيث سميث هوبر ، بالرسم ، وشجع والديه الميول الفنية لابنهما وحافظا على رسوماته المبكرة لنفسه وعائلته والريف المحلي. كان إدوارد ، الذي كان يبلغ طوله أكثر من ستة أقدام في سن 12 عامًا ، يضايقه زملائه في الفصل. ربما عزز تمايزه الملاحقات الانفرادية & # 8212 فقد انجذبت إلى النهر والرسم والإبحار والرسم. يتذكر هوبر أنه حتى عندما كان طفلاً ، لاحظ "أن الضوء في الجزء العلوي من المنزل كان مختلفًا عن الضوء الموجود في الجزء السفلي. هناك نوع من الابتهاج حول ضوء الشمس في الجزء العلوي من المنزل".

      على الرغم من أن والدي هوبر قد تعرفوا على هدايا ابنهم وسمحوا له بدراسة الفن ، إلا أنهم كانوا حذرين بما يكفي ليطلبوا منه التخصص في الرسم التوضيحي كوسيلة لكسب العيش. بعد تخرجه من المدرسة الثانوية عام 1899 ، التحق هوبر بمدرسة فنية تجارية في مدينة نيويورك وبقي هناك لمدة عام تقريبًا ، ثم انتقل بعد ذلك إلى مدرسة نيويورك للفنون ، التي أسسها عام 1896 الانطباعي الأمريكي ويليام ميريت تشيس. واصل هوبر دراسة الرسم التوضيحي ولكنه تعلم أيضًا الرسم من أكثر المعلمين تأثيرًا في ذلك الوقت ، بما في ذلك تشيس وروبرت هنري وكينيث هايز ميلر. تأثر كل من تشيس وهنري بفرانس هالز وفيل & # 225 زكويز والانطباعية الفرنسية ، لا سيما كما يتضح من & # 201douard Manet. شجع هنري طلابه على تحرير أنفسهم من الصيغ الأكاديمية المتعبة ، معتنقًا الواقعية التي انغمست في الجوانب الأكثر شهرة في المدن الأمريكية فيما يتعلق بموضوعها. بصفته فنانًا ناجحًا ، كان لدى هوبر تحفظات على هنري كرسام ، لكنه أكد دائمًا أن معلمه كان مدافعًا قويًا عن طريقة مستنيرة في الرؤية. مستوحاة من قوة هنري المحفزة ، بقي هوبر الشاب في المدرسة لمدة ست سنوات ، مستمدًا من الحياة ورسم صورًا ومشاهد من النوع. لدعم نفسه ، قام بتدريس الفن هناك وعمل أيضًا كفنان تجاري. كان هوبر وصديقه روكويل كينت كلاهما في فصل ميلر ، وتحولت بعض نقاشاتهما المبكرة حول مشاكل الرسام التي ظلت مفتونًا للغاية بالنسبة إلى هوبر. يتذكر: "لطالما كنت مفتونًا بغرفة فارغة". "عندما كنا في المدرسة. ناقشنا كيف تبدو الغرفة عندما لم يكن هناك من يراها ، ولا أحد ينظر فيها ، حتى." في حالة عدم وجود غرفة فارغة ، يمكن أن يشير الغياب إلى الوجود. شغلت هذه الفكرة هوبر طوال حياته ، من العشرينات من عمره حتى سنواته الأخيرة ، كما هو واضح في غرف على البحر و الشمس في غرفة فارغة، صورتان مهيبتان من الخمسينيات والستينيات.

      جزء أساسي آخر من تعليم الفنان الناشئ هو السفر إلى الخارج. من خلال توفير المال من مهامه التجارية ، تمكن هوبر من القيام بثلاث رحلات إلى أوروبا بين عامي 1906 و 1910. كان يعيش في المقام الأول في باريس ، وفي رسائله إلى المنزل كان يتفوق على جمال المدينة وتقدير مواطنيها للفن.

      على الرغم من استمتاع هوبر بالعاصمة الفرنسية ، إلا أنه سجل القليل من الابتكار أو الخميرة التي أشركت فنانين أمريكيين مقيمين آخرين. في وقت زيارة هوبر الأولى لباريس ، كان Fauves و Expressionists قد ظهروا بالفعل لأول مرة ، وكان بيكاسو يتجه نحو التكعيبية. رأى هوبر ذكريات لا تنسى من كوربيه ، الذي كان معجبًا به ، و C & # 233zanne ، الذي اشتكى منه. قال لاحقًا للكاتب والفنان براين أودهيرتي: "العديد من C & # 233zans نحيفة جدًا". "ليس لديهم وزن". على أي حال ، فإن الصور الباريسية الخاصة بهوبر أعطت تلميحات عن الرسام الذي كان سيصبح عليه. هناك وضع جانباً دراسات البورتريه واللوحة المظلمة لسنوات هنري للتركيز على الهندسة المعمارية ، وتصوير الجسور والمباني المتوهجة في الضوء الفرنسي الناعم.

      بعد عودته إلى الولايات المتحدة في عام 1910 ، لم يقم هوبر بزيارة أوروبا مرة أخرى. كان مصممًا على إيجاد طريقه كأمريكي ، ويمكن اكتشاف الانتقال نحو أسلوب أكثر فردية ركن نيويورك، تم رسمه في عام 1913. في تلك اللوحة القماشية ، قدم فكرة المباني المبنية من الطوب الأحمر والشرود الإيقاعي للنوافذ المفتوحة والمغلقة التي كان سيجلبها إلى الملعب المثير في أواخر العشرينيات من القرن الماضي مع المدينة ، من جسر ويليامزبيرج و في وقت مبكر من صباح الأحد. لكن نيويورك كورنر انتقالية ، فالطقس ضبابي وليس مشمسًا ، وتتجمع حشد بشكل غير معهود أمام منحدر. عندما سئل بعد سنوات عن رأيه في معرض عام 1964 لأعمال الفنان ريجينالد مارش ، أجاب سيد المساحات الفارغة الحامل ، "لديه أشخاص في صورة واحدة أكثر مما لدي في جميع لوحاتي".

      في ديسمبر 1913 ، انتقل هوبر من ميدتاون إلى قرية غرينتش ، حيث استأجر شقة عالية السقف في الطابق العلوي في 3 واشنطن سكوير نورث ، وهو منزل من الطوب يطل على الساحة ذات الطوابق. The combined living and work space was heated by a potbellied stove, the bathroom was in the hall, and Hopper had to climb four flights of stairs to fetch coal for the stove or pick up the paper. But it suited him perfectly.

      Hopper sold one painting in 1913 but didn't make another major sale for a decade. To support himself, he continued to illustrate business and trade journals, assignments he mostly detested. In 1915 he took up printmaking as a way to remain engaged as an artist. His etchings and drypoints found greater acceptance than his paintings and at $10 to $20 each, they occasionally sold. Along with the bridges, buildings, trains and elevated railroads that already were familiar elements in his work, the prints feature a bold development: Hopper began portraying women as part of the passing scene and as the focus of male longing. The etching Night on the El Train is a snapshot of a pair of lovers oblivious to everyone else. في Evening Wind, a curvaceous nude climbs onto a bed on whose other side the artist seems to be sitting as he scratches a lovely chiaroscuro moment into a metal plate. In these etchings, New York is a nexus of romantic possibilities, overflowing with fantasies tantalizingly on the brink of fulfillment.

      Between 1923 and 1928, Hopper often spent time during the summer in Gloucester, Massachusetts, a fishing village and art colony on Cape Ann. There he devoted himself to watercolor, a less cumbersome medium that allowed him to work outdoors, painting humble shacks as well as the grand mansions built by merchants and sea captains. The watercolors marked the beginning of Hopper's real professional recognition. He entered six of them in a show at the Brooklyn Museum in November 1923. The museum bought one, The Mansard Roof, a view of an 1873 house that showcases not only the structure's solidity, but the light, air and breeze playing over the building. A year later, Hopper sent a fresh batch of Gloucester watercolors to New York dealer Frank Rehn, whose Fifth Avenue gallery was devoted to prominent American painters. After Rehn mounted a Hopper watercolor show in October 1924 that was a critical and financial smash, the artist quit all commercial work and lived by his art for the rest of his life.

      Hopper's career as a watercolorist had been jump-started by the encouragement of Josephine Verstille Nivison, an artist whom Hopper had first courted in 1923 in Gloucester. The two wed in July 1924. As both were over 40, with established living habits, adjusting to each other took some effort. Their marriage was close—Josephine moved into her husband's Washington Square quarters and did not have a separate work space for many years—and turbulent, for they were physical and temperamental opposites. Towering over her, he was stiff-necked and slow-moving she was small, snappy and birdlike, quick to act and quicker to speak, which some said was constantly. Accounts of Jo Hopper's chattering are legion, but her vivacity and conversational ease must have charmed her future husband, at least initially, for these were traits he lacked. "Sometimes talking with Eddie is just like dropping a stone in a well," Jo quipped, "except that it doesn't thump when it hits bottom." As time passed, he tended to disregard her she resented him. But Hopper probably could not have tolerated a more conventional wife. "Marriage is difficult," Jo told a friend. "But the thing has to be gone through." To which Hopper retorted, "Living with one woman is like living with two or three tigers." Jo kept her husband's art ledgers, guarded against too many guests, put up with his creative dry spells and put her own life on hold when he roused himself into working. She posed for nearly every female figure in his canvases, both for his convenience and her peace of mind. They formed a bond that only Edward's death, at age 84, in 1967 would break. Jo survived him by just ten months, dying 12 days before her 85th birthday.

      Jo Hopper's availability as a model likely spurred her husband toward some of the more contemporary scenes of women and couples that became prominent in his oils of the mid- and late 1920s and gave several of them a Jazz Age edge. في Automat و فرم سوي, smartly clothed independent women, symbols of the flapper era, animate a heady cosmopolitan milieu. فرم سوي had an especially personal meaning for the Hoppers—the scene and the place derive from a Columbus Circle Chinese restaurant where they often ate during their courtship.

      Hopper ignored much of the city's hurly-burly he avoided its tourist attractions and landmarks, including the skyscraper, in favor of the homely chimney pots rising on the roofs of commonplace houses and industrial lofts. He painted a number of New York's bridges, though not the most famous, the Brooklyn Bridge. He reserved his greatest affection for unexceptional 19th- and early 20th-century structures. Echoing his Gloucester watercolors (and decades ahead of the historic preservation movement), he treasured vernacular buildings, drawing satisfaction from things that stayed as they were.

      By the late 1920s, Hopper was in full command of a powerful urban vision. He had completed several extraordinary paintings that seemed almost carved out of the materials they were depicting, brick by brick and rivet by rivet. Manhattan Bridge Loop (1928) and Early Sunday Morning (1930) match the monumental scale of New York itself, whereas Night Windows (1928) acknowledges in an almost cinematic way the strange nonchalance that results from lives lived in such close proximity: even when you think you are alone, you are observed—and accept the fact. The unsettling nature of Night Windows derives from the position of the viewer—directly across from a half-dressed woman's derrière. The painting suggests that Hopper may have affected movies as much as they affected him. When German director Wim Wenders, a Hopper fan, was asked why the artist appeals to so many filmmakers, he said: "You can always tell where the camera is."

      With the creation of such distinctive paintings, Hopper's reputation soared. Two on the Aisle sold in 1927 for $1,500, and Manhattan Bridge Loop brought $2,500 in 1928. That same year, Frank Rehn took in more than $8,000 for Hopper's oils and watercolors, which yielded the artist about $5,300 (more than $64,000 today). In January 1930, House by the Railroad became the first painting by any artist to enter the permanent collection of New York's newly established Museum of Modern Art. Later that year, the Whitney Museum of American Art bought Early Sunday Morning for $2,000 it would become a cornerstone of that new institution's permanent collection. The august Metropolitan Museum of Art purchased Tables for Ladies for $4,500 in 1931, and in November 1933, the Museum of Modern Art gave Hopper a retrospective exhibition, an honor rarely bestowed on living American artists. He was 51.

      Since 1930, the Hoppers had spent summer vacations in South Truro, Massachusetts, near the tip of Cape Cod. A small town situated between Wellfleet and Provincetown, Truro had kept its local character. In 1933 Jo received an inheritance, which the couple used to build a house there it was completed the next year. The Hoppers would spend nearly every summer and early autumn in Truro for the remainder of their lives.

      By the end of the 1930s, Hopper had changed his working methods. More and more, instead of painting outside, he stayed in his studio and relied on synthesizing remembered images. He pieced together Cape Cod Evening (1939) from sketches and recollected impressions of the Truro vicinity—a nearby grove of locust trees, the doorway of a house miles away, figures done from imagination, dry grass growing outside his studio. In the painting, a man and woman seem separated by their own introspection. Hopper's "equivocal human figures engaged in uncertain relationships mark his paintings as modern" as strongly as his gas pumps and telephone poles, writes art historian Ellen E. Roberts in the current show's catalog.

      The notions of disconnection and inaccessiblity are most fully realized in Nighthawks (1942), Hopper's most famous painting. مثل ال Mona Lisa أو Whistler's Mother أو American Gothic, it has taken on a life of its own in popular culture, with its film-noir sensibility sparking scores of parodies. The figures, customers at a late-night eatery, flooded by an eerie greenish light, look like specimens preserved in a jar. Hopper has banished every superfluous detail: the huge plate-glass window is seamless, and there is no visible entrance to the restaurant. Like characters in a crime movie or existential novel, the figures seem trapped in a world that offers no escape.

      As Hopper aged, he found it increasingly difficult to work, and as his output decreased in the late 1940s, some critics labeled him as passé. But younger artists knew better. Richard Diebenkorn, Ed Ruscha, George Segal, Roy Lichtenstein and Eric Fischl appropriated Hopper's world and made it their own. Eight decades after his most evocative canvases were painted, those silent spaces and uneasy encounters still touch us where we are most vulnerable. Edward Hopper, matchless at capturing the play of light, continues to cast a very long shadow.

      Avis Berman is the author of Edward Hopper's New York ومحرر My Love Affair with Modern Art: Behind the Scenes with a Legendary Curator by Katharine Kuh (2006).


      Moonlight Etchings of the Forgotten Artist who Taught Edward Hopper

      Martin Lewis died in obscurity in 1962 a retired art teacher who had found some success in his early career, but was largely forgotten after the Great Depression took away the demand for his craft, leaving Lewis to spend his last three decades teaching other people how to etch. History chose Edward Hopper, but Martin Lewis was his mentor.

      “After I took up my etching, my painting seemed to crystallise,” Hopper is quoted in his biography. It was Martin Lewis, an Australian emigré who had moved to New York in 1909, that helped Edward learn the basics of etching. The two became good friends on the artists circuit where eachothers’ work was presented to the public at various art clubs and small exhibitions.

      Lewis had taken up printmaking by 1915 and was using the etching press to produce prints which became widely admired and collected by the East coast elite. While making a name for themselves in New York City, Hopper asked his friend if he could study alongside him to learn his techniques, making Lewis his mentor for a brief while. As his student, Hopper learned the finer points of etching and both artists used the great American metropolis at night as their muse.

      Years later, when Hopper was preparing for a one-man show in Pittsburgh at the height of his career, he rejected the notion that Lewis’s work had influenced his own or that he had studied “under Lewis” as implied by the exhibit’s biographical essay. “Lewis is an old friend of mine,” he countered. “When I decided to etch, he, who had already done some, was glad to give me some tips, on the purely mechanical processes, grounding the plates, printing etc”. By this time, the two artists were no longer friends however. According to Edward’s wife Josephine, Lewis and his wife Lucille had given the Hoppers up, “quite understandably. It had been too much of a blow to have E.H so successful.”

      Nearly 50 years after his death, Lewis’s print, Shadow Dance (pictured above), sold for $50,400 at an auction in New York, setting a record price for the artist at auction. He had found a renewed, posthumous appreciation in the new millennium, whereas decades earlier, auction houses couldn’t sell off his prints at all and entire lots failed to reach their reserve price.

      Much of his work may yet to be discovered. In 1920s, he was supported and collected by numerous etching societies and museums, but so many works are now held privately, out of public view. We would love to see more, wouldn’t you?

      Prints for sale can be found on The Old Print Shop.


      Edward Hopper - History

      In comparison with the contemporary Dutch American painters, De Kooning and Mondrian, Hopper’s paintings are realistic, and immediately evoke a sense of identification, at least for many of us. Hopper’s work was initially focused on cityscapes, but later he ventured out in the countryside and produced a number of interesting pictures based on small town life.

      Hopper’s best and best-known painting is entitled, “Nighthawks”. The painting shows a few people sitting on counter stools at the counter of a diner style restaurant. It is obviously well after midnight based on the eerily dark and quiet street. The diner is brightly lit and stands apart from the quiet but dark street, from where the artist viewed the people in the diner. Although, to this author, some of his other paintings are also outstanding, the “Nighthawks” painting is viewed as Hopper’s best and best known.

      Edward Hopper was raised in early Dutch Hudson River country. He was born in the small Hudson River town of Nyack, New York. It is reported that his ancestors were of English, Dutch and Welsh backgrounds. Hopper showed an aptitude for art early in his life, and told his parents that he wanted to become an artist, and wanted to attend an art institute. His parents being practical, and probably realistic, urged him to learn illustration, so that he at least would be able to support himself and his family, after he grew up. Following high school, he enrolled at the Corresponding School of Illustrating in New York City. Although it was apparently a correspondence school, Hopper attended the school in person, commuting daily from Nyack to the school in New York City by train.

      After spending one year at the Illustration School, he switched to the New York School of Art, also referred to as the Chase School, because the school was founded by William Merritt Chase [1849-1916], a reasonably well known American artist. While at the school, Hopper worked with Robert Henri [1869-1929], and it was Henri who gave direction to Hopper’s development as an artist. Hopper’s contemporaries at the School were such later luminaries as George Bellows and Rockwell Kent. Hopper remained at the School for several years, supporting himself with teaching, and working as an illustrator. While at the school he also learned much from his teachers and contemporaries. Along the way he even managed to travel to Europe several times to view the artistic developments, then going on in Europe, and notably in Paris. Although he admired what the impressionists were doing, he was not sufficiently impressed to follow their style of painting. He started out as a realist, and remained a realist, as an artist, for the remainder of his life.

      It was not until 1913, when he was 31 years old, that Hopper exhibited at the Armory Show, and sold his first painting. Even after that first success, Hopper’s work did not gain acceptance by the critics and art buyers until 10 years later. In 1923, at age 41, Hopper sold his second painting, a watercolor, painted with a medium that he had switched to then. The title of that work was “The Mansard Roof”. In the following year Hopper exhibited a group of watercolors at a New York City gallery, and every painting he exhibited was sold. A subsequent gallery exhibit, this time a solo exhibit at the Rehn Gallery in New York City, also sold out. This was the time Hopper clearly had arrived as a painter, and as an artist.

      In 1924, with his reputation as a painter solidly established, he settled in Greenwich Village, where he remained for the rest of his life, as a full time and well-established painter. In 1925, he renewed his friendship with a former student from the Art Institute. Her name was Jo Nevison. They got married the same year, in 1925, when Nevison was 40 and Hopper was 42 years old.

      In 1925, Hopper painted what is also considered one of his major pictures, entitled, “The House by the Railroad”. In 1929, Hopper was included in a major exhibition at the Museum of Modern Art in New York City. The exhibition was named, “Paintings by Nineteen Living Americans”. The following year, in 1930, Hopper’s, “The House by the Railroad” entered the permanent collection of the Museum of Modern Art. Also in 1930, the Whitney Museum of American Art purchased Hopper’s painting entitled, “Early Sunday Morning”. In 1933, Hopper was given a retrospective exhibition at the Museum of Modern Art, and it 1950, the Whitney Museum of American Art gave Hopper a more extensive retrospective exhibition.

      Based on the above, Hopper clearly had become one of the major American graphic artists of the twentieth century. His life can best be described by the following quote from Lloyd Goodrich, shown in the paragraph below.

      “No artist has painted a more revealing portrait of twentieth century America. But he was not merely an objective realist. His art was charged with strong personal emotion, with a deep attachment to our familiar everyday world, in all its ugliness, banality, and beauty”.

      Edward Hopper was born in Nyack, New York, on July 22, 1882. He married Jo Nevison in 1925. So far as is known the couple had no children. Hopper passed away in New York City on May 15, 1967, at the age of 84 years. He bequeathed his art remaining in his possession to the Whitney Museum of American Art, in New York City, upon his death.

      الكتب الإلكترونية المتوفرة من AMAZON GOOGLE: Kindle Store Pegels

      الأمريكيون الهولنديون البارزون ، حاليون وتاريخيون

      ثماني عائلات أمريكية بارزة من هولندا: عائلة روزفلتس ، فانديربيلتس وآخرين ، 2015

      خمسة عشر عائلة أمريكية بارزة: The VAN BURENS ، KOCH BROTHERS ، VOORHEES وآخرون ، 2015


      Edward Hopper

      Realist painter who studied with Robert Henri and Kenneth Hayes Miller at the New York School of Art. One of the country’s most honored artists, Hopper was internationally acclaimed in his lifetime and was elected to both the National Institute of Arts and Letters ( 1945 ) and the American Academy of Arts and Letters ( 1955 ). He poetically painted the isolation and detachment of modern life Nighthawks ( 1942 ) is arguably his best-known composition.

      Joan Stahl American Artists in Photographic Portraits from the Peter A. Juley & Son Collection (Washington, D.C. and Mineola, New York: National Museum of American Art and Dover Publications, Inc., 1995 )

      A quintessential American realist, Hopper painted a repertoire of subjects ranging from the lighthouses and Victorian manses of the New England coast to the movie houses, offices, cafeterias, and highways of New York City. Hopper was associated with the Ash Can artists early in his career he studied with Robert Henri at the New York School of Art from 1900 to 1906 and greatly admired John Sloan’s etchings of New York City. In the 1920 s he achieved recognition with his architectural paintings in which light is used dramatically to characterize his subjects. Whether depicting daylight scenes or nocturnal environments, his paintings have an introspective, contemplative aura that is enhanced by his frequent use of solitary figures set against blank walls. Mood was as important to Hopper as subject, as the statement he wrote for the catalogue of his 1933 retrospective at the Museum of Modern Art makes clear: ​ “ My aim in painting has always been the most exact transcription possible of my most intimate impressions of nature.”

      Virginia M. Mecklenburg Modern American Realism: The Sara Roby Foundation Collection (Washington, D.C.: Smithsonian Institution Press for the National Museum of American Art, 1987 )

      Edward Hopper started his career as an illustrator, but soon switched to painting and studied with the artist Robert Henri at the New York School of Art. He made three trips to Paris between 1906 and 1910 , where he stayed with a French family and painted scenes of the city. Back in the United States , he resumed his commercial work, creating engravings and illustrations of everyday American life. These proved such a success that he was encouraged to return to easel painting, and by 1927 he had established himself with an exhibition in New York City . Hopper painted characteristic American subjects, from movie theaters and restaurants to New England lighthouses. His images capture dramatic areas of light and shadow and often evoke a strong sense of isolation and loneliness, even when there is more than one figure portrayed.

      Edward Hopper: The Watercolors

      In the 1920s, inspired perhaps by the particular light and quality of Gloucester, Massachusetts, Edward Hopper began painting watercolors. He has been celebrated since then as one of the most eloquent of America’s realists.

      Crosscurrents: Modern Art from the Sam Rose and Julie Walters Collection

      In eighty-eight striking paintings and sculptures, Crosscurrents captures modernism as it moved from early abstractions by O’Keeffe, to Picasso and Pollock in midcentury, to pop riffs on contemporary culture by Roy Lichtenstein, Wayne Thiebaud, and Tom Wesselmann—all illustrating the com

      Graphic Masters: Highlights from the Smithsonian American Art Museum

      Graphic Masters celebrates the extraordinary variety and accomplishment of American artists’ works on paper.


      About the Author Amanda Hadley

      Amanda graduated from the University of Kansas, where she studied English literature and got a masters degree in library sciences. She enjoys reading, cooking and playing with her nephews. Her best friend is her little dog Brady.

      About Our Authors

      Our authors are a diverse mix of people from around the world. Some of us are practicing artists, while others may be art historians or interior designers. Whether you want tips and tricks for refining your own space or enjoy reading true stories from the lives of the masters, it's our mission to create content you'll love.


      Edward Hopper - Biography and Legacy

      Edward Hopper was born into a comfortable, middle-class family in Nyack, New York, in 1882. His parents introduced Edward, and his older sister Marion, to the arts early in life they attended the theatre, concerts and other cultural events, and visited museums. His father owned a dry goods store where Hopper sometimes worked as a teen. Hopper described him as "an incipient intellectual. less at home with his books of accounts than with Montaigne's essays." Both his parents were supportive of his artistic inclinations.

      As a boy, Hopper was quiet and reserved. He was over six feet tall by his early teens, had few friends, and spent much of his time alone with his books and art. His home in Nyack stood on a hill overlooking the Hudson River, just north of New York City. At the time Nyack was a vibrant hub of transit and industry. There was an active train station, three shipbuilding companies, a port for steamboats, and the cross-Hudson ferry. Young Edward spent his days by the river, sketchpad in hand, observing and drawing the rigging and building of boats. This early period is documented in numerous drawings of boats and ships as well as several handmade wooden model boats. As a teen he built a full-sized catboat and briefly considered pursuing a career in naval architecture. The seriousness with which the artist approached his artistic ambitions had already revealed itself by age 10 when he began to sign and date his drawings.

      الفترة المبكرة

      After graduating high school in 1899, Hopper's parents encouraged him to study commercial illustration instead of fine art. Accordingly, he spent a year at the New York School of Illustration in Manhattan before transferring to the more serious New York School of Art to realize his dream. His teachers there included the American Impressionist William Merritt Chase (who founded the school) and Robert Henri, a leading figure of the Ashcan school, whose proponents advocated depicting the grittier side of urban life. Hopper's classmates at the school included George Bellows, Guy Pene du Bois, and Rockwell Kent.

      In 1905, Hopper began working as an illustrator for a New York City advertising agency but never really liked illustrating and longed for the freedom to paint from his imagination. Unfortunately, success was slow in coming and he was forced to earn his living as an illustrator for nearly 20 more years until his painting career took off.

      Hopper travelled to Europe three times between 1906 and 1910, enjoying two extended stays in Paris. The influence of the Impressionists led him to the streets to draw and paint en plein air, or, as Hopper described it, "from the fact." Years later he would call his work from this period, a form of "modified impressionism." He was especially attracted to Édouard Manet and Edgar Degas's unusual compositional arrangements in their depictions of modern urban life. During a visit to Amsterdam, Hopper also admired Rembrandt's Nightwatch, which called "the most wonderful thing of his I have seen, it's past belief in its reality - it almost amounts to deception."

      After returning from his final trip abroad in 1910, Hopper moved permanently to New York City and, in 1913, settled at 3 Washington Square North. This would be his home and studio for the rest of his life. That same year he sold his first painting, Sailing (1911), for $250 at the Armory show in New York. Though he never stopped painting, it would be 11 years before he sold another painting. During that time he continued to earn his living illustrating and, in 1915, he took up printmaking, producing some 70 etchings and dry points over the next decade. Like the paintings for which he would later become renowned, Hopper's etchings embody a sense alienation and melancholy. One of his better known etchings, Night Shadows (1921) features the birds'-eye viewpoint, the dramatic use of light and shadow, and the air of mystery which would serve as inspiration for many film noir movies of the 1940s. Hopper continued to receive great acclaim for his etchings over the years and considered them an essential part of his artistic development. As he wrote, "After I took up etching, my painting seemed to crystallize."

      فترة النضج

      In 1923, Hopper visited Gloucester, Massachusetts. There he became reacquainted with Josephine (Jo) Nivison, whom he had met years earlier as an art student of Robert Henri. He worked in watercolor that summer and it was Jo who encouraged him later that year to join her in participating in a show at the Brooklyn Museum. He exhibited six watercolors there, including The Mansard Roof (1923), which the museum purchased for $100.

      In 1924, Hopper married Jo. From that time on she became his primary model and most ardent supporter. In that same year he had a solo exhibition of watercolors at the Frank K. M. Rehn Gallery in New York. The show sold out and the Rehn Gallery continued to represent him for the rest of his life. This success enabled Hopper to finally give up illustrating.

      Over the next several years, Hopper's painting style matured and his signature iconography emerged--from isolated figures in public or private interiors, to sun-soaked architecture, silent streets, and coastal scenes with lighthouses. In 1930, House by the Railroad (1925) became the first painting accessioned to the permanent collection of the newly founded Museum of Modern Art. The early 1930s were, indeed, a period of great success for Hopper, with sales to major museums and in 1933, a retrospective at the Museum of Modern Art.

      Despite his commercial success, Hopper and Jo lived a frugal lifestyle, only allowing themselves the indulgence of attending theatre and films. Hopper particularly loved going to movies. His first documented visit to one was in Paris in 1909. As he explained, "When I don't feel in the mood for painting, I go to the movies for a week or more. I go on a regular movie binge."

      Early in their marriage the Hoppers spent summers painting in New England, mostly Gloucester and coastal Maine. They also travelled across the country and to Mexico, where they painted watercolors side by side. From 1934, they began spending summers at the house and studio Hopper designed for them in South Truro, Cape Cod in Massachusetts.

      Late Period

      Hopper continued to be productive during the war years and remained unperturbed by the potential threats following the attack on Pearl Harbor. It was precisely during this period that he worked on his most well known painting, Nighthawks (1942). Through the 1950s and early 1960s, Hopper continued to see acclaim and success, despite the arrival of Abstract Expressionism, Pop, and Minimalism to the New York art scene. The universal appeal of his subjects continued to find an avid audience.

      Hopper was not a prolific painter. He often found it hard to settle on a subject to paint and then spent a great deal of time working out the details of the composition through numerous studies. By the end of his life he averaged just two oils a year. Hopper died on May 15, 1967 and Jo Hopper died just 10 months later, bequeathing their artistic estate to the Whitney Museum of American Art. Hopper is buried, along with Jo, his sister and his parents, in Nyack's Oak Hill Cemetery.

      The Legacy of Edward Hopper

      Hopper has inspired countless painters, photographers, filmmakers, set designers, dancers, writers, and musicians and the term "Hopperesque" is now widely used to connote images reminiscent of Hopper's moods and subjects. In the visual arts, Hopper's influence has touched artists in a range of media including Mark Rothko, George Segal, Banksy, Ed Ruscha, and Tony Oursler . The painter Eric Fischl remarked, "You can tell how great an artist is by how long it takes you to get through his territory. I'm still in the territory that he opened up." Richard Diebenkorn recalled the importance of Hopper's influence on his work when he was a student stating, "I embraced Hopper completely . It was his use of light and shade and the atmosphere . kind of drenched, saturated with mood, and its kind of austerity . It was the kind of work that just seemed made for me. I looked at it and it was mine." In the exhibition and catalogue, Edward Hopper & Company: Hopper's Influence on Photography (2009), Jeffrey Fraenkel examines how Edward Hopper inspired a whole school of photographers including Robert Adams, Diane Arbus, Harry Callahan, William Eggleston, Walker Evans, Robert Frank, Lee Friedlander, and Stephen Shore. Fraenkel writes, "More than almost any American artist, Hopper has had a pervasive impact on the way we see the world--so pervasive as to be almost invisible."

      Hopper has had no less of an impact on cinema. Generations of filmmakers have drawn inspiration from Hopper's dramatic viewpoints, lighting, and overall moods, among them, Sam Mendes, David Lynch, Robert Siodmak, Orson Welles, Wim Wenders, and Billy Wilder. His painting, House by the Railroad (1925) inspired Alfred Hitchcock's house in مريضة نفسيا (1960) as well as that in Terrence Malick's Days of Heaven (1978).

      Hopper's open-ended narratives have also appealed to writers and musicians. Tom Waits titled an album Nighthawks at the Diner and Madonna named a concert tour after the painting Girlie Show (1941). Joyce Carol Oates refers directly to Hopper in her poem, Edward Hopper's Nighthawks 1942. Many others have created whole collections of stories or poems using Hopper paintings as starting points. Hopper's Nighthawks has been appropriated and used hundreds of times in all forms of media within popular culture. An image of the painting or a facsimile of it can be found in an episode of the Simpsons, as the backdrop for a Peeps marshmallows ad, or featuring Marilyn Monroe and James Dean (in Gottfried Helnwein's Boulevard of Broken Dreams (1984)), morphed into a Starbucks, a space station, and in a variety of cartoons in نيويوركر.

      The artist and writer Victor Burgin properly summed up Hopper's pervasive impact when he said, "We need not look for Hopper in order to find him. We may encounter him by chance at random places where his world intersects our own. We might ask whether or not this photograph by the American documentary photographer Larry Sultan was taken with Edward Hopper's paintings consciously in mind. But the question is irrelevant. To know Hopper's work is to be predisposed to see the world in his terms, consciously or not."



تعليقات:

  1. Plexippus

    أقترح عليك زيارة الموقع الذي يحتوي على الكثير من المعلومات حول الموضوع الذي يثير اهتمامك.

  2. Jozsef

    أعني أنها الباطل.

  3. Darwin

    ما الذي تود أن تقوله على وجه الخصوص؟

  4. Sadiki

    إنه رائع ، عبارة مفيدة



اكتب رسالة